АДА МУХИНА, АЛЕНА ПАПИНА,
ОЛЬГА ТАРАКАНОВА, ДАРЬЯ ЮРИЙЧУК

«Кариес Капитализма» — спектакль-платформа для презентации и финансовой поддержки проектов по защите труда в театральной индустрии. Спектакль вырос из шутки о том, как похожи на слух слова «кариес» и «прекарий»; шутка прозвучала за обедом во время «Резиденции Blackbox» — конкурса проектов для большой сцены Центра имени Вс. Мейерхольда. Каждую осень ЦИМ собирает свободных художников в недельную лабораторию, но не предоставляет гонораров, питания, проживания для иногородних участников. «Кариес...» занял второе место в конкурсе, весной ЦИМ получил государственный грант на выпуск.

Спектакль выпустила команда из четверых создательниц: Ады Мухиной, Алены Папиной, Ольги Таракановой и Дарьи Юрийчук. Все они имеют опыт прекарности. Ада — независимый театральный режиссер и, как она говорит, «путешествующая художница» с опытом работы в России, Германии, Великобритании, США и других странах. Алена — хореограф и преподавательница танца без постоянного места работы. Даша — хореограф и приглашенная преподавательница в университете. Оля — театральная критик без постоянного места работы и студентка четвертого курса с туманными перспективами трудоустройства.

Целью «Кариеса...» было не столько поделиться личным опытом и тревогой, сколько рассказать о феномене прекарности зрителям и одновременно объединить профессиональное сообщество для борьбы с незащищенностью. Поэтому создательницы провели опен-колл и пригласили к участию еще четверых прекарных работниц театра: Ксению Аникееву, Асю Белую, Наталью Зайцеву, Ню Симакину. Оплачиваемые репетиции с ними длились месяц, и каждая из участниц разработала свой проект борьбы с прекарностью и эксплуатацией. В спектакле они представляют эти проекты и сражаются за четверть сборов с продаж билетов. Победительницу определяют зрители тайным голосованием.

ЮРИЙ КВЯТКОВСКИЙ, ЮЛИЯ БЫЧКОВА, АНТОН КОЧУРКИН, НИКОЛАЙ ПОПОВ, МИХАИЛ ДЕГТЯРЁВ

21 Декабря 2019 года Завод энергетического машиностроения в Чехове на несколько часов превратился в театральную сцену. В этот день Благотворительный резервный фонд Александра Лебедева и проектная группа «8 линий» представили site-specific оперу режиссера Юрия Квятковского «Мистерия Высокого Давления».

Мистерия — это мир служений, таинств и посвящений. Тот, кто созерцает мистерию — приближается к истине. На латыни словом misterium обозначали не только культовые церемонии, но и ремесла. Труд обладал характером служения. В Средневековой Европе мистерии были делом ремесленных гильдий и цехов. Мастеровые и рабочие устраивали представления на вечные темы, которые проходили в различных стилях, повторялись циклами и были рассредоточены по городу, заставляя зрителя перемещаться от точки к точке. Люди труда создавали живые картины, чтобы немного яснее проявить этот мир для себя и других. С тех пор изменилось многое, но не все. Это не все — и есть посвящение в «Мистерию Высокого Давления», созданную совместно с трудовым коллективом Чеховского «Энергомаша». Это погружение в таинство созидания.

АЛЕКСЕЙ ТАРУЦ

RATMIR VANBUUREN TARUTS возник в 2017 году как перформативный / саунд-дизайн / поэтический проект современного художника Алексея Таруца. RVT прежде всего является серией редких выступлений, фокусирующихся на психофизиологическом переживании ситуации концерта, нежели полноценным музыкальным проектом. RVT критически относится к музыке, предъявляя её как один из звуковых эффектов, производимых культурой позднего капитализма. В появлениях RVT сталкиваются мгновенные ошеломляющие харш нойз события и гравитационные поля гипнотических басовых партий, отсылающих к стадионной евротранс музыке, в то время как присутствие вокала сокращено до эпизодических вербальных сообщений, имеющих характер заклинаний. В настоящее время RVT интересует темная эйфория, порожденная мега-событиями транс- и edm-музыки, где формируются временные сообщества в стремлении преодолеть технологический стресс еще большим технологическим стрессом. В групповом названии RATMIR VANBUUREN TARUTS каждое слово обозначает определенный способ культурного производства. RATMIR — нарушенное обещание медиа эффективности; VANBUUREN — эйфорический шок транс оупен эйра; TARUTS —ивент менеджмент и медиация. На текущий момент RATMIR VANBUUREN TARUTS исполняется Алексеем Таруцем и приглашенными исполнителями, включая блек-метал вокалистов и танцоров. Также проект может презентоваться и как фонограмма без участия людей.

ЕГОР РОГАЛЕВ

Перформанс Егора Рогалева «Орган памяти» предлагает новые способы осмысления событий, связанных с массовыми политическими репрессиями 1937–1938 годов, которые непосредственным образом затронули людей с особенностями восприятия.

Работа отсылает к сфабрикованному НКВД в 1937 году «Делу группы ленинградских глухонемых», в ходе которого 55 человек были арестованы по подозрению в создании террористической организации. Часть обвиняемых впоследствии была расстреляна, остальные отправлены в лагеря. Арест основных фигурантов дела — участников драмкружка Ленинградского общества глухонемых — произошел во время генеральной репетиции спектакля «Как закалялась сталь», приуроченного к 20-летию Октябрьской революции. Выбор этого конкретного произведения для постановки являлся отнюдь не случайным — его главный герой реализует себя в качестве сознательного субъекта революционной борьбы, в том числе преодолевая ограничения, вызванные постепенным разрушением собственного тела.

Аффекты исторических травм чаще всего простираются за пределы доступных языковых средств выражения, вскрывая бессилие речи в попытках произвести рефлексию или описание. В работе «Орган памяти» чтение романа Николая Островского неслышащими актерами происходит в сопровождении музыкального инструмента Терменвокс, который трансформирует знаки в колебания и вибрации, складывающиеся в аффективное звуковое повествование благодаря сенсорному распознаванию интонаций и синтаксиса жестового языка. Звук, производимый инструментом, подвергается аппаратной обработке и становится доступным для самих перформеров и слабослышащих зрителей в виде воспринимаемых на тактильном уровне вибраций.

Работа во многом опирается на теоретическое наследие советского психофизиолога Николая Бернштейна, который рассматривал целенаправленные движения как структурные комбинации сил, подверженные процессам эволюции и инволюции и обладающие характеристиками функциональных органов. Воззрения Бернштейна оказали влияние на некоторые достижения в советской авангардной музыке 1920-х годов, в частности на изобретения Льва Термена. Инспирированный Бернштейном биомеханический подход позволяет сконцентрировать внимание на пластике жестового языка, через которую неожиданным образом проявляет себя монументальная героика романа. «Орган памяти» проецирует биомеханику жеста на экран звукового аффекта, связывая память и опыт в момент, когда ресурсы привычных знаковых систем оказываются исчерпанными.

ГЦСИ (Москва), март 2019 (в рамках инклюзивного выставочного проекта «Искусство быть»); Музей «Интеграция» им. Островского, май 2019 (Ночь музеев); Ботанический сад МГУ «Аптекарский огород», июль 2019 (в рамках инклюзивного выставочного проекта «Искусство быть»).

НИК ХАМОВ И ИНЖЕНЕРНЫЙ ТЕАТР АХЕ
КОМПОЗИТОР: ДЕНИС АНТОНОВ

Классический сюжет — как паблик арт, сценография — как добавленная реальность к ландшафтной действительности, элементы и объекты действия — как кинематическая инсталляция.

«ФАУСТ. ЛАБОР» театра АХЕ — мультидисциплинарный проект, аккумулирующий многие жанры и идеи уличного искусства, доступный для понимания всех возрастов и предпочтений.

В 2018 в репертуаре площадки «ПОРОХ» (резиденции театра) появилась кинематическая драма «Фауст 3.0», в которой желание героя постичь всё в мире превратилось в стремление сконструировать идеальную машину как символ господства. Литературной основой стала «реинкарнация» текста, написанного Максимом Исаевым по мотивам «Народной книги» Иоганна Шписа. Театральная постановка развивалась, идеи накапливались, появлялись новые механизмы. Наконец стало очевидно, что в классическом пространстве зала этим идеям и машинерии становится тесно во всех смыслах. Поэтому АХЕ решили создать уличную версию как спектакль-инсталляцию.

Сам спектакль с элементами «нового цирка», интерактивного шоу, музыкального концерта (авторская музыка Дениса Антонова) и магического аттракциона объектов — яркий образец современного синтетического проекта, доступного массовой аудитории.

Спектакль создан как конструктор, который позволяет легко адаптировать сценографию под площадку: будь то заводской ангар, порт или центральная площадь. Этому «конструктору» не нужны дополнительные строительные леса, краны или лэйерные построения, конструкция является самонесущей, а также экологически дружелюбной к любому публичному месту или ландшафту. Экологичность достигается в использовании материала только из дерева, бумаги, песка, глины. Также сценография и кинематические объекты являются самодостаточными и используются как художественная инсталляция.

ВИДЕОРОЛИК: ТАТЬЯНА СУХИНА

АЛЕКСАНДР АРТЕМОВ

Метамодерное музыкально-литературное действо о русской широте на основе анонимных историй из Интернета.

Режиссер: Александр Артемов

Музыка: Настасья Хрущева

Текст: Александр Артемов, Настасья Хрущева

при поддержке Театра Наций: лаборатория «Театры атомных городов».

Понятие «русская широта» включает в себя категории запредельного, бескрайнего, выходящего за пределы понимания. Русская широта — это бесконечная уходящая в даль дорога и широкая лесная поляна, беспредельное поле и бескрайняя водная гладь. Согласно академику Дмитрию Лихачеву, широта, пустота и безграничность вместе составляют несущую конструкцию русского кода. Спектакль «Широта» основан на современном фольклоре — анонимных историях из Интернета, и представляет собой медленное собирание новой русской целостности. На протяжении спектакля постепенно — по атомам, по первоэлементам, слово за словом, история за историей — будет собираться музыкальный и литературный русский код.

ТЕАТР POST

Спектакль по новому музыкальному тексту белорусского драматурга Павла Пряжко.

В «Двух перстнях» Пряжко обращается к более ранней эпохе, исследуя мелосферу 1970-х, творчество вокально-инструментальных ансамблей (ВИА) — и выстраивает трек-лист по законам музыкальной драматургии, в отличие от «Диджея Павла» не наделяя его сквозным сюжетом.

«Два перстня» — спектакль не про время, а про сами песни — существующие вне контекста времени, как космонавты в космосе. «театр post» предлагает погрузиться в треклист «Двух перстней», как в гипноз — исследуя музыкальный узор, медленно бродить глазами по его линиям, чтобы в какой-то момент начать медленно вращаться вместе с картинкой.

Важно, что никто из авторов спектакля в 70-е еще не родился, поэтому не имеет личной памяти об этом периоде, а использует только косвенную память от родителей, от телевизора, от фотоальбомов. Спектакль обнажает множество параллелей сегодняшнего дня с 70-ми, особенно в России. Пряжко использует в тексте пьесы только песни русских и украинских ВИА (вокально-инструментальных ансамблей). С одной стороны, он не случайно использует песни только этих групп, потому что в каждой советской республике было множество ВИА, не только в России и Украине. Но спектакль не обостряет политический контекст пьесы. Важный фактор, что Пряжко — белорусский драматург, и то, что именно он, будучи белорусом, работает с этими песнями, делает контекст более широким.

Но ключевым моментом являются сами эти песни. Музыкальная составляющая спектакля является основной, и он, и пьеса построены по законам музыкальной драматургии: ведь по советским законам все песни ВИА утверждались правительством еще до публикации, поэтому абсолютно все они похожи друг на друга. Когда сегодня предлагается прослушать 16 песен этого периода подряд, возникает какое-то странное чувство, будто вы проваливаетесь в воронку времени и это специфической музыки. Это психоделическое чувство стало поворотным при создании спектакля.

АВТОР ПРОЕКТА И РЕЖИССЕР:
ДОНАТАС ГРУДОВИЧ, Futurist_Theatre и Партизан_фильм

Тема исследования проекта – миф. Миф как окаменевшая ложь, «зафактуренная» до состояния подлинника.

«На самом деле ещё в древние времена Россия была ведущей сверхтехнологичной страной. В Ростове-на-Дону были найдены артефакты, а точнее доисторические аналоги современных гаджетов. Про это даже была написана книга, а после снят фильм, но они были запрещены, и всё было уничтожено. Вся информация держится в секрете и из интернета удалена». Статьи, анонсирующие проект, цитировали это как прямую речь режиссёра Донатаса Грудовича. Таким образом, спектакль начинался уже на этапе анонсирования в прессе.

Мифы Древней Греции, Египта, Индии, народов Севера и Сибири превращались в отдельные локации в черте городе Ростова. Зрители перемещались на автобусе по раскиданным по городу площадкам и с помощью проводника откапывали спрятанные артефакты. Это плиты со странными символами, обломки изваяний, древние саркофаги и т.д. По ходу спектакля случайные прохожие подкидывали зрителям записки, фотографии, карты того, что нужно искать. Все это обрывочно, потому что они убегают от преследователей̆. Зрителям тоже приходится бежать.

Сюжет: Сммщик Кеша, выдавая себя за девушку в интернете, обманывает людей и зарабатывает на этом. Но вскоре сам оказывается обманутым и влезает в настоящую «теорию заговора» против России. В это самое время в Ростове-на-Дону найдены странные артефакты, на которых изображены гаджеты древних славян. И кто-то скрывает, что древняя Русь была высокотехнологичной…

Донатас Грудович начал исследовать тему мифа в 2013 году в рамках выставки в галерее «Протвор» в Санкт-Петербурге и с тех пор регулярно обращался к ней в различных своих перфомансах. В 2019 году «Мифы» были представлены трижды:

Спектакль-раскопки/перфоманс-приключение/иммерсивный театр/ уличный перфоманс/ site-specific/ мокументари/ мистификация, Фестиваль «Трансформация», Театр 18+, Ростов-на-Дону

Спектакль, Фестиваль современного искусства «Форма» («Форма Лаб»), Futurist_Theatre, Площадка 8/3, Москва

Спектакль-фильм, Ростов-на-Дону – Москва

В естественных декорациях спектакля-раскопок в Ростове-на-Дону команда также начала съемку интернет-сериала.

Тридцать лет я экспериментирую с компьютерным коллажом, фиксируя изменения визуального восприятия современного человека. С появлением компьютера и возможностей медийной обработки трёхмерного построения изображения появилась возможность доработки коллажа, его трансформации и создания иллюзорной реальности. Стало возможным полное погружение в виртуальное пространство, представляющее собой единую достоверную цельную картину без видимых швов и склеек. Это искусственно созданное пространство визуально стало более реалистичным, чем окружающий мир. К моменту появления этой новой цифровой реальности мышление современного человека уже фрагментировалось, это изменило свойства и возможности его визуального аппарата. Приобретая эти свойства, которые могут открыть новые просторы для традиционной живописи, зритель находится в условиях формирования фрагментарности восприятия и ограничения свободы выбора. В проекте «Транскодер» я провела живописный эксперимент: создав трехмерное абстрактное изображение в программе Майя, перенесла его на холст методом классической стадийной живописи. Доказав, что исходный цифровой код подсознательно может считываться человеческим мозгом независимо от желания человека. При аналоговом воспроизведении, созданном художником методом классической стадийной живописи, код становится частью самой живописной картины. Цифровое оборудование — фотоаппарат, видеокамера или телефон — считывает этот код, распознавая его как изначально созданное трехмерным в компьютерной программе и изменяя его объем в дополненной реальности. Структурные изменения, которым в конце XX века подверглись музыка, архитектура, театр, танец, литература, языковые платформы, поэзия, системы хранения информации, говорят о некоем глобальном изменении восприятия в целом и формировании синтеза восприятия — нового визуального кода.

Выставка «Урал мари. Смерти нет» является результатом одноименного научно-художественного проекта и посвящена отношению уральских марийцев к смерти.

Сейчас многие городские и сельские жители пытаются вернуться к корням и, сами того не замечая, трансформируют их. На выставке речь идет не только о старых традициях, но и о живом процессе синтеза разных религиозных и мистических представлений.

Для выставки были использованы уникальные архивные материалы, интервью, песни и видеозаписи, собранные в полевых условиях, а также элементы традиционного уральско-марийского костюма.

Выставка состоит из трех разделов. Зрители совершают путешествие из пространства жизни в пространство смерти и возвращаются назад.

1. Раздел «Жизнь» рассказывает о современном быте уральских марийцев, который мало отличается от быта других деревенских жителей в России. Отдельной темой представлен дизайн интерьеров деревенских домов.

2. Основной раздел — «Переход», в нем идет речь идет о коммуникации с миром мертвых. Старые и новые обряды, праздники и верования — все, что связывает живого человека с мертвым. Фотографии и саундтрек, в основу которого легли записи ритуальных песен, раскрывают эту тему образно и символически, тексты и видео несут документальную нагрузку. Первая часть «Перехода» — черная «роща» из столбов различного прямоугольного сечения, в которые вмонтированы лайтбоксы с фотографиями, планшеты с видео и тексты. Во второй, белой части, находится огромный жертвенный стол-алтарь с белой посудой, солью, мукой и яичной скорлупой — основными ингредиентами приготовления пищи и бытовой магии марийцев. На белых стенах размещены экспонаты — текстовые плакаты с пересказами снов уральских марийцев, в которых они общаются с умершими родственниками, и предметы традиционной марийской одежды.

3. Раздел «Смерть». Здесь представлены фотографии из семейных архивов марийцев и изображения брошенных домов, которые можно рассматривать через специальные отверстия-глазки в стене, кинозал, где демонстрируется мультимедиа, посвященное смерти.

Сайт-специфик инсталляция «Цементная Оперетта» была показана на фестивале современного искусства «Впередсмотрящий» (Северо-Западный филиал ГЦСИ, июль 2019, куратор Елена Губанова). Выставочный проект был осуществлен на территории морского форта «Константин». Крепость расположена в Финском заливе, и является одним из многочисленных сооружений Кронштадтского оборонительного комплекса. Объекты участников фестиваля располагались в бывших артиллерийских казематах.

Идея моего проекта основывалась на соединении собственных архивных исследований и современной арт-практики. Изучая историю цементных производств, я обнаружил, что в некоторые годы XIX века вся продукция всех цементных производств Империи уходила на строительство укреплений Кронштадта. А это значит, что не было построено большое количество прекрасных школ, дворцов и музеев.

Моя инсталляция располагалась в трех смежных помещениях и состояла из шести орнаментальных фрагментов. Длина каждого фрагмента около 3 метров. Каждая деталь отливалась из цементного раствора по искривленным матрицам, установленным непосредственно в казематах. Рельефные полосы представляют собой неправильные, изогнутые слепки с оригинальных дворцовых панно XIX века. Цветы, листья, орнаменты представлены травмированными или неродившимися элементами архитектуры belle epoque.

В инсталляцию были включены визуальные и звуковые исторические документы. Факсимильные принты оперетты «Веселая война» с цензурными пометками суфлера (1903 г., И. Штраус, предоставлено архивом Театра музыкальной комедии). Также были были препарированы музыкальные фрагменты оперетты -— удалены все мужские голоса-арии. В результате в помещениях слышались военные марши в исполнении только женских персонажей.

Проект "Lost & Found North-7 Expedition" был создан в 2019 году петербургской группой Север-7 при поддержке Фонда V-A-C для музея современного искусства M HKA. Его основной задачей стал поиск формы репрезентации объемного и неструктурированного архива группы, которая существует в Петербурге с 2013 года, способной представить ее практики зрителю, не погруженному в привычный локальный контекст.

Инсталляция, которая была открыта в круглом зале музея M HKA в сентябре 2019 года, отсылает к идее «Музея в музее»: воссоздания воображаемой экспозиции мобильного музея группы Север-7 как самоорганизованной «институции» внутри другой институции — музея M HKA. Основную содержательную часть инсталляции при этом составили материалы архива группы Север-7: видеодокументация перформансов и акций, а также видеоарт, созданный на основании архивных материалов специально для проекта, фотографии, афиши и плакаты, костюмы и другие артефакты.

Так, основной концептуальной частью работы над проектом стало исследование многочисленных разрозненных архивных материалов. Здесь художники столкнулись с невозможностью применения научного хронологического подхода и неспособностью частично утраченных обрывочных документальных свидетельств полноценно отразить характер той или иной акции, перформанса или инициативы. Участниками группы был выбран псевдо-документальный подход, при котором архивные материалы используются как художественный материал для создания, по сути, новой работы, отражающей взгляд на объект документирования из текущей временной точки. Этот подход выражен в названии "Lost & Found North-7 Expedition": по большому счету, художнику или куратору необходимо заново открывать и воссоздавать в своем воображении, как при раскопках останков древней цивилизации, картину художественных практик, имевших процессуальный характер и укорененных в контексте локальной среды. При этом форма представления «архива» всегда будет отражать текущий исторический контекст и современную оптику взгляда на рассматриваемое художественное явление.

Живописец Александр Дашевский работает с галереей Anna Nova больше десяти лет. Новую персональную выставку, приуроченную к юбилею этого плодотворного сотрудничества, он решил построить как ироничный байопик о собственной художественной практике. Проект «Банда симулянтов», следующий за сериями «Частичные утраты» (2013) и «Павшие и выпавшие» (2016), по замыслу автора, должен стать третьим эпизодом остросюжетной истории, посвященной мутациям классического картинного формата, произошедших в результате деятельности Александра Дашевского.

Станковая фигуративная живопись на территории современного искусства — всегда под подозрением. Не транслирует ли она политически-консервативную повестку? Не способствует ли ее миметическая природа расхолаживанию зрителя, приучая его к пассивному созерцанию, наслаждению завораживающими подобиями? Не слишком ли легко она вписывается в интерьер, потакая вкусам коллекционеров? Поданные в плакатной форме, такие вопросы вызывают усмешку или раздражение. Тем не менее, каждый, кому дорог этот способ занятия искусством, использует их, чтобы выкристаллизовать свое понимание живописи. Дашевский, в последние годы, пытается решать их через изобретение новых форматов самой картины: делает подрамники неправильных форм, освобождая фигуры от фона, разбивает изображение на фрагменты, подразумевая что они, как живые существа, могут разрастаться, менять конфигурацию, или приставляет к работе написанную красками тень, так чтобы принципы мимесиса спорили с законами физики.

В проекте «Банда симулянтов» он заселяет выставочное пространство многочисленными персонажами: ковбоями, художественными критиками, зомби, зрителями. Каждый из них — отдельная картина-фигура, напоминающая хардпостер из кинотеатра. Симулянты Дашевского -– живописные копии придуманных им героев, из взаимодействия которых складывается история о его славном, вызывающе жизнерадостном, заведомо обреченном на провал, нелепо утопическом походе за освобождением живописи. В экспозицию художник включает несколько работ из прошлых проектов, чтобы новые картины могли дать оценку старым, или хотя бы изобразить ее.

Выставка-эссе была сформирована на основе проекта Йоссо: вечная мерзлота (Якутск, 2016) и дополнена новым материалом, в том числе уральским. Проект сознательно размывает границы между художественным, кураторским и исследовательским высказыванием. Автор показывает чужие работы, но складывает разнородный материал в собственный нарратив и заявлен как художник. Включение не-художников, таких как богатырь Клаус Веттер или некромант Анатолий Москвин; активная реконтекстуализация материала и содержательное участие в производстве ряда работ — все это скорее черты работы художника в логике реди-мейда.

Содержательно нарратив содержит три раздела: Нижний мир; Богатырь, модернизатор и некромант; Техноанимизм и подземное бессмертие. Первый посвящен представлениям о подземном мире в различных анимистических и спиритуалистических традициях. Второй — героям, отправляющимся под землю за обретением ресурсов, в том числе знаний, силы, истины и вдохновения, таким как краевед Юрий Дмитриев или художник Сергей Юдичев. Третий — современным техноанимистическим представлениям, где архаичные системы знания гибридизируются с добывающей экономикой и новыми технологиями типа клонирования.

Проект призывает к новой хтонополитике — пересмотру отношения к смерти и бессмертию в контексте их диалектического единства и связи с внутренними силами Земли. В свете постгуманизма и спекулятивной современности особое значение приобретает геологический феминизм, настаивающий на одушевленности планеты и необходимости договариваться с силами земли и наших предков. Здесь анимизм встречается с проблематикой антропоцена, обретая прогрессивные экологические смыслы.

Проект лег в основу работы Фонд религиозных либертариев для Рижской биеннале 2020.

Текст Д:

Постиндустриальное общество породило ощущение нестабильности как перманентного состояния мира. Чтобы художественно отобразить пеструю неупорядоченность, присущую современности, необходим поиск нестандартных концепций, неординарных стратегий формообразования. Расширяются границы профессионального мышления, выявляются новые возможности работы с медиумом.

Создание артефакта описывается в соответствии с философией ремесла — как трансформация сырого материала путем наложения на него некоторой формы, заранее задуманной в виде плана в сознании. Отрицание функционализма и подмена его «атемпоральным декомпозиционным методом работы с формой, понимаемой как серия фрагментов — знаков без значения». Это симбиоз концептуально разноосновных пространственных структур, переход от состояния мягкой субстанции к твердой…

Текст К:

Постоянное ускорение развития технологий, скорость и возможность перемещения в планетарном масштабе, процессы глобализации расширяют восприятие человеком как самого себя, так и мира вокруг. При этом ощущение растерянности перед современным миром подпитывается подавляющим избытком информации. Шок будущего, по Элвину Тоффлеру, сменяется шоком настоящего из-за увеличивающейся скорости адаптации к изменениям в окружающем мире.

Все это приводит как к трансформации традиционного медиума, так и к возникновению и дальнейшему изменению «нового». В случае новых медиа в качестве рефлексии часто выступают сами методы работы с ними, такие как использование современных технологий не по их изначальному предназначению, манипулирование ошибками в работе компьютерных алгоритмов, контроль получаемой информации при создании цифровых объектов, сознательное допущение визуальной искаженности, минималистичность и стремление к абстрактному выражению образов.

Художественная практика Устины Яковлевой во многом строится на тактильном опыте: работая с памятью, воспоминаниями и процессами забывания, она создает новые образы и формы, которые прорастают из простейших структур и многократно усложняются. Эти формы объединяют в себе несовместимые в природе качества и генерируют новые ассоциации в сознании зрителя. В ее работах воплощается бесконечный процесс воспроизведения и распада живой ткани, парадоксально переплетаясь с метаморфозами неживой материи.

Изящные объекты, хранящие память ручного труда, напоминают внешнему миру о ценности времени. Творческий акт Устины Яковлевой развернут в нескольких временных измерениях: долгий кропотливый медитативный процесс вышивки и бисероплетения отсылает к древним практикам создания ритуальных объектов. Два временных потока — процесс создания объекта художницей и древняя традиция ручного труда — накладываются друг на друга и формируют новые прототипы восприятия.

У древних греков нить Ариадны помогала найти выход из лабиринта Минотавра, воплощавшего разрушительный инстинкт смерти. Искусство Устины Яковлевой выстраивает другой лабиринт, чтобы избежать новой угрозы — оцепенелости удобной вечной жизни.

ЛЮДМИЛА БЕЛОВА

3-х частная инсталляция «Ожидание»:

1 часть — «Ожидалка» сайт-специфик инсталляция

2 часть — «Лаборатория/творческая мастерская» инсталляция

3 часть — «Ожидалка 2» видеоинсталляция

Сайт-специфик инсталляция «Ожидалка» создана в пространстве комнаты, которая служила местом подготовки собак перед переводом их в операционную или в звуковую камеру. Сюда приводили собак, которые были отобраны для экспериментов, и они ожидали здесь своей очереди.

В центре комнаты установлен металлический стол, на столешнице которого выгравировано:

«Когда я приступаю к опыту, связанному в конце с гибелью животного, я испытываю тяжелое чувство сожаления, что прерываю ликующую жизнь, что являюсь палачом живого существа. Когда я режу и разрушаю живое животное, я глушу в себе едкий упрек, что грубою и невежественною рукой ломаю невыразимо художественный механизм. Но это переношу в интересах истины и пользы людям».

Иван Петрович Павлов

На одну из стен комнаты проецируется видео «Собаки Павлова», в котором была снята живущая и сейчас в институте собака Тина, принимавшая участие во многих хронических экспериментах.

В первой части инсталляции «Ожидалка» ставится вопрос об этике по отношению к животным, но сейчас вопросы биоэтики затрагивают уже человека и его взаимоотношения с техническим прогрессом.

Разговор о будущих взаимоотношениях человека и искусственного интеллекта происходят во второй части инсталляции «Ожидание», она называется «Лаборатория/творческая мастерская».

Аллегория будущего — нечеткая, размытая тень человека или уже не совсем человека, появляется за дверью, ведущей в последнюю закрытую лабораторию. Это видеоинсталляция «Ожидалка 2».

В рамках проекта «Новая антропология».
Техно-Арт-Центр, Институт физиологии РАН им. И.П. Павлова, музей И.П. Павлова в
Колтушах, Санкт-Петербург, 2019.

Проект «Солдаты солнца, или право на будущее время», созданный в рамках XV фестиваля Института Про Арте «Современное искусство в традиционном музее», сместил акценты антропоцентричной экспозиции Музея гигиены, задаваясь вопросом: не человек ли представляет реальную угрозу природе? Плакат о фото-токсичных свойствах борщевика Сосновского, стеклянная анатомическая фигура и чучело собаки Павлова стали ключевыми объектами для диалога между художником и музеем на тему экологического и техногенного кризиса. Видео, созданное как ответ на известную песню The Return Of The Giant Hogweed группы Genesis, рассказывает постсоветскую историю борщевика от имени растения, а так же серия фотограмм-цианотипий составили единую инсталляцию, размещенную в трех залах музея.

Борщевик был привезен с Кавказа и распространен на территории СССР как кормовая культура, но после развала Союза его рост вышел из под контроля. Растение, перемещенное за пределы своей среды обитания во имя прогресса, стало неудобным и было демонизировано. Сок борщевика, попадая на кожу, под лучами солнца вызывает химическую реакцию приводящую к ожогу. Ультрафиолетовый свет солнца, касаясь бумаги, пропитанной фотосоставом, активизирует процесс цианотипии. Технология цианотипии была применена в 1843 году ботаником Анной Аткинс для гербария водорослей. Лерман создает свой пост-человеческий гербарий из растений, фигуры человека и гаджетов смартфонов и дронов.

Автопортрет художницы в позе собаки Павлова повторяет очертания известного экспоната Музея гигиены. На основе экспериментов с собаками ученый выявил существование «условного рефлекса», что способствовало измерению нервной системы. Финальная страница гербария Лерман посвящена цифровой эпохе, создающей новые условные рефлексы, кардинально изменяющие поведение людей.

КУРАТОРЫ: АНАСТАСИЯ ПАЦЕЙ, ЛОРА КУЧЕР,
СЕРГЕЙ КОВАЛЬСКИЙ, ЕВГЕНИЙ ОРЛОВ

14 декабря 2019 – 26 января 2020

Музей нонконформистского искусства (Санкт-Петербург)

Владлен Гаврильчик (1929-2017 гг.) — легендарный ленинградский художник-нонконформист, поэт. Рисование открыл для себя ещё в детстве, копируя сюжеты из газет и учебников. Он не смог получить профессионального художественного образования, но всю жизнь мечтал о том, что однажды станет художником.

В основе творчества В. Гаврильчика — как живописного, так и поэтического — лежит прием цитирования, пародия, оммаж. При этом, работая с заимствованными изображениями и сюжетами, художник наполняет их новыми смыслами. За примитивистским фасадом скрывается глубокое философское размышление.

Узнаваемый художественный язык автора формируется в 1960-1970-е гг. В. Гаврильчик изобретает так называемый «топографический стиль», «биологический стиль» для пейзажей и «парcунный стиль» для портретов. В начале 1980-х гг. он обращается к сюжетной и социально ориентированной живописи, создает многофигурные композиции на основе фотографий, активно работает в жанре натюрморта.

С конца 1960-х гг. В. Гаврильчик участвует во всех знаковых выставках неофициального искусства, включая легендарные выставки в ДК им. Газа и «Невский» (1974-1975), а также квартирные и групповые выставки ТЭИИ. Вокруг него объединяются ученики и последователи, образовавшие в 1986 г. группу «Кружок рисования».

Творчество художника В. Гаврильчика — многообразное, самобытное, ироничное, играющее со смыслами — занимает важное место в истории искусства Ленинграда-Петербурга. Для выставки в Музее нонконформистского искусства были собраны произведения автора из частных петербургских коллекций, дающие редкую возможность познакомиться с творчеством В. Гаврильчика разных лет.

Закрытие выставки прошло в формате творческого вечера памяти художника с участием Анатолия Белкина и Вячеслава Гайворонского. Для гостей прозвучали стихи В. Гаврильчика разных лет с музыкальным сопровождением.

КУРАТОРЫ: МИХАИЛ ПОГАРСКИЙ, ВАСИЛИЙ ВЛАСОВ

3 декабря 2019 — 2 февраля 2020

Организатор: Фонд AVC Charity

Проект приурочен к 125-летию со дня рождения поэта, художника и издателя Ильи Михайловича Зданевича и к 70-летию выхода одного из самых ярких коллективных изданий, осуществлённых Ильяздом — «Поэзии неведомых слов».

Проект состоит из пяти частей:

1. иЗДАНия ЗДАНевича
Книги изданные Ильяздом из коллекции фонда AVC Charity.

2. ИЛИ@ЗДА
Оммаж Илье Зданевичу: коллективная livre d'artiste, созданная ведущими современными художниками.

3. ПОЭЗИЯ НЕВЕДОМЫХ СЛОВ
Диалог современных художников с антологией 1949 года, в которой приняли участие великие поэты и художники ХХ века. Мы впервые осуществили полный перевод «неведомых слов» на русский, но по-прежнему «неведомый» язык. В этой части проекта представлены оригиналы livre d'artiste Ильязда «Поэзия неведомых слов», в создании которой принимали участие гении ХХ века, такие как Пикассо, Матисс, Шагал, Миро, Хаусман, Джакометти и др.

4. ильязДок
Фотографии, письма, плакаты, приглашения и другие документы из архива Ильязда.

5. здА-Арт
Работы ведущих современных художников, посвящённые Ильязду (арт-объекты, графика, коллаж).

В рамках выставки была проведена международная конференция «70 лет "Поэзии неведомых слов"», в которой приняли участие ведущие исследователи русского авангарда: Сергей Бирюков (Кёльн), Франсуа Мерэ (Марсель), Татьяна Никольская (Санкт-Петербург), Пётр Казарновский (Санкт-Петербург) и др. Состоялся музыкальный перформанс по поэме Михаила Погарского «Сентенции без паролей», созданный группой «Круглый бенд» (руководитель Алексей Круглов). Была поставлена знаменитая дра Ильи Зданевича «Янко крУль албАнскай». Проведена серия арт-перформансов и музыкальных вечеров. Cоздан художественно-документальный фильм о проекте, а также издан каталог проекта в трёх томах.

КУРАТОРЫ: ИРИНА АКСЕНОВА И ТАТЬЯНА ДАНИЛЕВСКАЯ

4 октября — 11 октября 2019

При поддержке воронежского «Центра современного искусства»

«Мелиорация»* — результат двухлетней работы FFTN в поле современного искусства Санкт-Петербурга. Кураторы изменяют привычной тактике ускользания и, вдохновленные позицией теоретика Айрит Рогофф, заявляют политику разделения репрезентативной функции выставочного пространства и функции производства событий (curating vs curatorial — Irit Rogoff). Однако проект не говорит языком манифестов — он, скорее, шепчет ветром, журчит водой и шелестит травами локальных ландшафтов. Оказавшись частью крупного культурного мероприятия, «приманкой» для неместных гостей, FFTN обращается к эстетике и темпоральности постэкзотизма**, выработанной во французской литературной традиции (от Франца Фанона до Антуана Володина). Центр и периферия, голоса, репрезентирующие разные культуры и взгляды, смешиваются, маскируя постколониальные процессы, мелиорацию и удобрение (за чей-то счет?). Что мы должны сделать, чтобы посаженное принесло плоды? Осушать или увлажнять, трансгрессировать или укреплять границы?

*Мелиорация — комплекс длительных и интенсивных мер по повышению плодородности почвы.

**Постэкзотизм — термин французского литературоведения, метод писателя Антуана Володина, размножившего себя в псевдонимах.

КУРАТОРЫ: КСЕНИЯ ЮРКОВА, АНАСТАСИЯ ВЕПРЕВА, КОРИНА Л. АПОСТОЛ

7 июня — 9 июня 2019

Более 30 художников и деятелей культуры из Скандинавских стран, стран Балтии, Восточной и Центральной Европы, а также России, были приглашены к участию в фестивале-лаборатории «Убежище/ Suoja/ Shelter» Vol.2 и созданию публичной программы, вовлекающей аудиторию в размышления над актуальными вопросами современности. Художественные практики охватывали медиа-искусство, сайт-специфичные инсталляции, перформанс-искусство и лекции; упор был сделан на дерзкий подход и экспериментальные методологии.

Концепция фестиваля: в скале в центре Хельсинки расположена глубокая пещера длиной почти 100 метров. Это бомбоубежище, построенное во время холодной войны. Убежище, находящееся в глобальном монолите капиталистического мира, одновременно существует в настоящем и в то же время от него скрыто. Пользуясь этой двойственностью, именно из убежища мы можем преодолеть риторику «холодной войны» и логику когнитивного капитализма, представив мир новых аффектов и безопасного общения.

Кураторский манифест для Vol.2: «Космополитика, товарищество и общество. Экология в действии для общей планеты».

«Как мы, художники, граждане, активисты, студенты и общественные деятели, можем развивать радикальные методы борьбы против господствующей политики разрушения климата и создать новое понимание общественного достояния? Опираясь на концепцию Изабель Стенгерс «Космополитика», в которой различные нарративы, перспективы и практики соединяются и закладывают основу для новых стратегий и возможностей, фестиваль создал временное сообщество для обмена различными подходами к решению экономических, социальных и культурных последствий экологического кризиса»

КУРАТОР: КСЕНИЯ ПЕРЕТРУХИНА

22 октября — 17 ноября 2019

Фестиваль «Территория»,

Московский музей современного искусства (ММОМА),

Мастерская Брусникина (Россия)

Автор идеи, продюсер: Екатерина Якимова

Руководитель по выставочной работе, продюсер: Алексей Новоселов

Рабочая группа: Анна Банасюкевич, Шифра Каждан, Марина Крапивина, Елизавета Спиваковская, Инна Ганс

Масштабная выставка «Человек размером с дом» посвящена памяти Дмитрия Брусникина (1957-2018) — режиссёра, актёра, педагога, выпустившего несколько поколений талантливых артистов, основателя одной из самых ярких театральных компаний последнего времени — Мастерской Брусникина.

Пять этажей Московского музея современного искусства преобразованы в интерактивное пространство памяти и изучения брусникинского наследия. Личные вещи, фотографии, фильмы, спектакли, перформансы, свидетельства, истории и байки собираются в мозаичный портрет одной из самых значимых фигур актуального театрального процесса последних лет. Как Кэрроловская Алиса по Зазеркалью, зритель путешествует внутри мира Брусникина, открывает двери и дверцы, в поисках рецепта современности от доброго великана, который объятиями смог реформировать театр.

«Брусникин смог удивительно точно совпасть с запросом времени — его интересовали процессуальность и коллективность, он был гений коммуникации, мостик между традиционалистами и экспериментаторами. Он ушёл на взлёте, и его культуртрегерский и педагогический феномен успел быть замеченным, но не успел быть изученным. Эта выставка — признание в любви и одновременно попытка поиска в его личности и творческом опыте рецепта актуального театра, формы сосуществования театрального сообщества».

Ксения Перетрухина

ИДЕЯ: ПАВЕЛ ПРИГАРА
КУРАТОР: ЕЛИЗАВЕТА ПАВЛЫЧЕВА
ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ КОНСУЛЬТАНТ: ВИТАЛИЙ ПУШНИЦКИЙ

9 апреля 2019 — 22 мая 2019

Центральный выставочный зал «Манеж»

Межмузейная художественная выставка «Жизнь после жизни» создавалась в Центральном выставочном зале «Манеж», чтобы показать, как в изобразительном искусстве (живопись, графика, скульптура) петербургскими творцами раскрывается тема смерти и бессмертия. Проект «Жизнь после жизни» посвящен философским вопросам онтологии, а не каким-либо отдельным стилистическим или историческим явлениям, чем он и выделяется на фоне большинства прочих выставочных проектов.

В проекте приняли участие 23 музея, 30 частных собраний. Всего было представлено около 300 произведений и более 130 имен художников.

Задача данной экспозиции, а следом за ней и каталога выставки, заключалась в попытке выстроить внутренний диалог между художественными произведениями, созданными с 1725 по 2019 год.

В компоновке выставки использовался метод трансисторизма, то есть соединение двух-трех-четырех работ, относящихся к разным эпохам и различным направлениям, в единое законченное художественное и философское высказывание. В таком соединении рождалось множество смыслов, которые каждый посетитель мог формулировать для себя в соответствии со своим мировоззрением и опытом визуального восприятия.

Мультиидентичность, характерная для современного общества, позволяет и художнику и куратору создавать многомерное высказывание, которое каждый может понимать по-своему.

Этому также способствовал неординарный облик пространства, позволяющий под другим углом взглянуть на симметрию, сформированную веками, на способ экспонирования и подачи материала.

Таким образом, экспозиция превратилась в самостоятельное художественное произведение кураторской группы в числе Павла Пригары, Елизаветы Павлычевой, Виталия Пушницкого в сотрудничестве с современными дизайнерами Александром Кривенцовым, Анастасией Несудимовой, композитором Мишей Мищенко и плеядой современных художников Санкт-Петербурга.

КУРАТОР: ЕЛЕНА ГУБАНОВА

13 – 14 июля 2019, Кронштадт, Форт Константин

Организатор: Северо-Западный филиал ГЦСИ в составе «РОСИЗО»

Генеральный партнер: АО «Третий парк» и ЗАО «Морская Лига»

Стратегический партнер: CYLAND MediaArtLab

Форт, как укрепленная граница, как черта между двумя пространствами «своим и чужим». Форт как своего рода камера обскура, где картина мира, наблюдаемая через бойницы, может быть считана художником в перевернутом виде. Морской горизонт — это линия потенциальной опасности или манящая линия свободы? Или это «линия ожидания», как у героини древнегреческого мифа Пенелопы: «то отчаиваясь, то снова веря, что он вернется», она хранит верность Одиссею. Узкие коридоры — батареи с остатками рельс, маленькие комнатки для хранения снарядов с отверстиями в стенах как у Аниша Капура, влажный пол даже в летнюю жару, и гулкое Эхо, навсегда поселившееся в этой бетонной шкатулке. Художники создали объекты и инсталляции, исторические интервенции, основанные на художественной интерпретации genius loci, которые раскрыли понятия «границы», «горизонта», отношения «свой — чужой», открытия «новой земли», «ожидания».

Куратор Елена Губанова

Художники: Владимир Абих, Марина Алексеева, Даниил Архипенко, Стас Багс, Петр Белый, Ольга Божко, Эльдар Ганеев, Иван Говорков, Елена Губанова, Алексей Грачев, Павел Иванов, Павел Игнатьев, Дмитрий Каварга, Сергей Катран, Сергей Комаров, Ирина Корина, Владимир Раннев, Сергей Карлов, Кирилл Спассков, Александр Теребенин, Алена Терешко, Александр Шишкин-Хокусай, Татьяна Ахметгалиева, Маша Годованная, Вика Илюшкина, Борис Казаков, Денис Патракеев, Андреа Станислав, Марина Федорова, Cид Яндовка

ИТОГОВАЯ ВЫСТАВКА ПРОГРАММЫ АРТ-РЕЗИДЕНЦИЙ 5-Й УРАЛЬСКОЙ ИНДУСТРИАЛЬНОЙ БИЕННАЛЕ

В рамках программы арт-резиденций 10 художников и художественных коллективов из России и мира работали в малых городах Урала и Сибири, изучая различные аспекты современной «индустриальности» в регионе. Во время создания своих работ, художники взаимодействовали с местными жителями, производствами, архивами. Итоговая выставка программы проходила на основной площадке 5-й Уральской биеннале в Екатеринбурге — Уральском Оптико-механическом заводе.

«Уральская индустриальная биеннале с начала своего существования ставила перед собой задачу исследования специфики местного контекста, и так сложилось, что именно программа арт-резиденций наиболее ясно и полно отвечает ей.

Взгляд приглашенного художника — это всегда взгляд со стороны, и он, в первую очередь, выявляет различия, задерживаясь на форме карьера, текстуре стен шахты, ритме трехметрового молота, отбивающего титановую заготовку. Но локальные истории и местный контекст становятся поводом поговорить о процессах, идущих повсеместно. Производство пронизывает все сферы прошлого и настоящего, а значит, формирует и будущее, но индустрии не могут контролировать все последствия своей непрекращающейся работы. Стратегии взаимодействия с этими последствиями могут быть разными: активный протест и самостоятельное моделирование реальности; заимствование и мутирование практик, используемых институтами власти; обращение к прошлому и манипуляции им из настоящего; принятие, привыкание и усталость; попытки действий, заведомо обреченных на малую эффективность».

Художники:

Сесилия Йонссон (Швеция)
Красил Макар (Россия)
Аня Марченкова (Россия)
Люк Маттенбергер (Швейцария)
Найме Перрет (Франция)
Ханна Перри (Великобритания)
Анна Титова (Россия)
Аника Шварцлозе (Германия/Нидерланды)
Катя Шенкер (Швейцария)
Веркер Коллектив (Нидерланды)

КУРАТОР: ИРИНА АКТУГАНОВА
ПРОДЮСЕР: АННА АПОЛЛОНОВА

В проекте приняли участие:

Художники: Куда Бегут Собаки, Vtol::, А. Алехина, VA_Lab, Н. Федорова и Е. Никоноле, Е. Стрелков и Д. Хазан, Ю. Дидевич, А. Мартыненко, О. Гонсеровская, М. Алексеева и С. Карлов, Л. Белова, Б. Шершенков;

Ученые: А. Хараузов, Д. Подвигина, В. Семенова, А. Журавлев, Т. Зачепило, Е. Саватеева-Попова, О. Ветровой, Т. Мошонкина;

Эксперты: Д. Булатов, Л. Стрельникова, Е. Рыбникова, А. Митрофанова, Г. Преображенский, А. Соколов, Д. Мальков;

Организаторы: Л. Андреева, И. Гавриленко, В. Бусова, А. Кудряшов, А. Родионова

Совместный проект в области art&science СПб Техно-Арт-Центра и Института Физиологии им. И. П. Павлова РАН, реализованный на средства Фонда Президентских грантов.

Проект представляет собой сотрудничество ученых и художников с целью создания художественных произведений, осмысляющих и проблематизирующих технологическое развитие в области биологии и физиологии для экспозиции Музея Академика Павлова в Павловских Колтушах — первом научном городке России, расположенном в 7 км от Петербурга.

Работа над произведениями сопровождалась публичными дискуссиями: круглым столом «Биоэтика и технологическое воображение» и конференцией «Когда биология становится технологией и искусством?».

В «Новой антропологии» приняли участие художники из Санкт-Петербурга, Москвы, Нижнего Новгорода и Екатеринбурга. Они создали 15 произведений — от объектов технологического искусства до иммерсивных инсталляций и произведений медиа- и саунд-арта. Группа экспертов в области научной коммуникации, искусства и науки принимала участие в оценке проектов.

Экспозиция, открывшаяся 27 сентября 2019 года, не ограничивается инсталляциями и объектами, созданными для проекта. В нее также включены исторические и современные видео, фотографии, тексты и экспонаты, рассказывающие о работе ученых в институте.

КУДА БЕГУТ СОБАКИ:
НАТАЛИЯ ГРЕХОВА, АЛЕКСЕЙ КОРЗУХИН, ОЛЬГА ИНОЗЕМЦЕВА, ВЛАДИСЛАВ БУЛАТОВ

«Город Ноль» — это массив лифтовых шахт разной высоты. Их пространственная организация напоминает город, в котором роль каждого здания состоит только в вертикальном перемещении. Все лифты имеют одинаковую программу и действуют как стая, выполняющая общую задачу, несмотря на отсутствие единого центра управления. Согласованные действия стаи основываются на двух стимулах: отдать и принять пустоту.

Лифт, получивший входящий сигнал, передает его отправкой пустой платформы на выбранный программой этаж. На выбранном этаже двери лифта открываются. Лифт ближайшей шахты принимает сигнал, поднимаясь на тот же этаж и открывая дверь напротив. Таким образом, мы видим передачу сигнала как передачу пустоты по городу автономно действующих лифтов. Сигнал, полученный в одной точке, может двигаться по всему массиву, или быстро затухнуть. Продолжительность пути, который сможет пройти пустота, зависит от многих факторов (разница в этажах, край массива, несовпадение по времени). Лифт-неудачник просто «выбрасывает» свою пустоту и возвращается вниз, ожидая нового вызова или программного стимула к новой попытке передачи.

Мы видим хаос из нелепых попыток автономных роботов достучаться друг до друга, совпасть во времени и пространстве, чтобы создать свое локальное пространство-время. Постепенно лифты «забывают» направления, по которым никогда не удается передать сообщение и путь пустоты с каждой попыткой чуть-чуть продлевается, время существования одного пакета «ничего» медленно растет. «Город Ноль» оказывается четырехмерной координатной структурой, бесконечно измеряющей саму себя и свои границы в поисках способов увеличения времени как главного ресурса для «ничего».

Проект реализован при поддержке Еврейского Музея и Центра Толерантности (Москва).

Фото: «Время, вперед!» V—A—C Zattere, Венеция
Дельфино Систо Леньяни и Марко Каппеллетти

УЛЬЯНА ПОДКОРЫТОВА

«Представьте, что произносите страшилки о русско-китайско-северокорейских хакерах, постправде, гибридной войне, искусственном интеллекте, контекстной рекламе, едкой токсичности и новых непобедимых, но всепроникающих вирусах, используя метафорику родных осин. У каждого они, конечно, свои. Яркая бестиальная образность Кубани отлична от подземной мифологии Урала так же, как балканские вампиры — от норвежских троллей. Затхлые, чахоточные, болотные кошмары Петербурга, с его засасывающими дворами-колодцами, далеки от мстительных лесных духов бескрайних просторов Сибири. Ульяна Подкорытова берет за основу наследие северных окраин российского государства, в частности поморских земель и Архангельской губернии.

С первого взгляда, такой подход может показаться настоящей дичью, неоправданным синкретизмом, чего отчасти художница и добивается. Требуется своеобразный шок, чтобы посетители галереи современного искусства, воспитанные на голливудском кино, японских мультсериалах, страшилках от НТВ и РЕН и сериалах условного «Нетфликса», смогли перестроится в другую систему координат. Однако в процессе открытия нового мира, который предлагает Подкорытова, становится ясно, что ничего радикально иного в нем нет. Выходит так, что меняются лишь декорации. Вместо Робин Райт и Кевина Спейси в Белом доме — виды мест, где я не был и не буду никогда, из ярмарочного райка. Вместо зомби и зеленых человечков — беснующиеся скоморохи и крестьяне, отмечающие сезонные праздники. С песнями-плясками да прибаутками русский Север начинает рассылать письма счастья, кормить фейковыми новостями и поражать вредоносными программами».

Из текста «Рай'ок чрезвычайного масштаба» Сергея Гуськова

Проект создан при поддержке Галереи Триумф, куратор: Марина Бобылева

Языковой барьер — это первая и самая серьезная проблема для любого иностранца в Китае. После осмотра основных достопримечательностей иностранец сталкивается с молчаливой культурой. Он видит только внешнюю сторону жизни китайцев, но не может расспросить, что их волнует и как они воспринимают этот мир. Поэтому Китай часто оставляет впечатление чего-то непонятого, нераскрытого, загадочного. Я прекрасно знаю это по первой поездке в Китай 5 лет назад.

Единственный проводник в мир китайского языка для иностранцев — это приложение Google Translator с режимом camera mode, в котором можно видеть перевод слов через камеру смартфона «на лету». Пользуясь им, я обнаружил интересный эффект: из-за специфики китайского письма приложение пытается распознать иероглифы не только в тексте, но и в траве, цветах, зданиях, улицах, картинах, во всем окружающем мире. Что возвращает нас к тому, как зарождалось письменность в Китае, ведь первоначально иероглифы — это упрощенные схематические зарисовки природы. По этой причине визуальная и поэтическая традиции в Китае сильно взаимосвязаны, поэзия словно извлекается из самой природы и окружения поэта.

Если кратко, то сперва я исследовал город, «сканировал» с помощью Google Translator места с особым «поэтическим» потенциалом, получал видео с кучей странных слов, расшифровывал его и создавал из этих слов стихотворения по принципу «один скриншот — одна строчка», таким образом, переводил само место на язык поэзии.

Проект создан во время резиденции в A4 Art Museum, Чэнду, Китай.

ЮРА ШУСТ

Оператор: Александр Мишин

Монтаж: Вера Херр

Звук: Базинато и Глеб Гневашев

Автор фотографий: Яна Толопило

Видеоработа Юры Шуста «НЕОФИТ», основанная на аналогии поиска цветка папоротника и наркотической закладки, запечатлевает группу молодых людей, блуждающих по лесу в поисках мифического счастья. На спинах парней и девушек отпечатки подошв утюгов, которые материализуются в эпилоге фильма, объединяющем эстетику рекламы и ритуала жертвоприношения.

Видео является центральной работой одноименного проекта, актуализирующего сакральную идею включения человека в глобальную систему через сочетание архаического и постиндустриального. Артефакты фильма были представлены в экспозиции выставки. Скульптурная группа из подошв утюгов, превращенных в светящиеся панели, напоминает одновременно загадочные криптографические послания и ажурные узоры вытинанки, традиционного для Беларуси орнамента, вырезаемого из бумаги.

Юра Шуст родился и вырос в Белоруссии, в настоящее время живет и работает в Берлине. В своей художественной практике художник поднимает вопросы связи техники, науки и биополитики с ритуалами и мифами.

АРТЁМ ГОЛОЩАПОВ

Тема этого проекта — состояние не артикулированной, но нарастающей тревоги, связанной с непредсказуемостью развития интернет-платформ. За последние 10 лет мы получили столько же знаний, сколько за все предыдущее время, достигли максимального уровня комфорта, но абсолютно не умеем прогнозировать свое будущее и возможные риски. В то же время за комфорт приходится непропорционально много платить — своими данными и приватностью. Непрозрачность новых сетевых механизмов распределения благ и контроля (т.н. "surveillance capitalism") приводит к массовым когнитивным искажениям, фрагментарному восприятию мира, радикальным проявлением чего является прекрасно себя чувствующая конспирология.

Это состояние автор и называет «нелепым равновесием» — речь о балансе сил, готовом обрушиться от неожиданного события со значительными последствиями.

Проект состоит из двух видео и цифровой живописи на самоклеющейся пленке, — дешевом материале, используемом для рекламы на транспорте, оформления временных стендов.

Неэкологичный, он рекламной плесенью заполняет город. С другой стороны видео выступает как источник этой плесени — резкое возрастание скорости интернет-каналов позволяет видеомаркетингу увеличивать долю присутствия на 70 процентов каждый год. По такой же схеме работает и формальное решение инсталляции: видео порождает контент, который оседает на стене цифровыми имиджами.

ЯНИНА ЧЕРНЫХ

Рассказчица — и вместе с тем героиня собственного повествования — вовлекает зрителя в изучение полумифического, полуреального пространства. Мир, в котором она оказывается, — это мир гор, их самобытной природы, и в то же время мир, где издавна обитали люди. Первое, что отмечает героиня, впервые попадающая в этот географический и социокультурный контекст, — то, как близки здесь природное и рукотворное. Работа мысли оказывается схожей с работой человеческих рук и вместе с тем — с работой естественных сил.

Но особое место занимает в восприятии рассказчицы время.

Нижний Архыз — это место, где соседствует история древняя и недавняя, средневековое городище и советских времен астрофизическая обсерватория, и это определяет трактовку времени: время здесь не течет, а исследуется, как физическое и культурное явление. Дорога превращается в визуализацию концепции времени: камни, которые человеческие руки воздвигают друг на друга; растущие ветви, они же сети; туман, поглощающий предметы. Нет прошлого, нет будущего, нет настоящего — есть лишь путь, по которому идет рассказчица, но мог бы идти кто-то другой. Личностное начало исчезает, и деперсонализация размывает конец истории.

Стражами выступают звери. Однако собака, поедающая камни, вызывает устойчивую ассоциацию с Хроносом, пожирающим своих детей, обнажая единую природу противоположностей, созидания и разрушения.

Части, составляющие проект: скульптура, графика и анимационные фильмы, — соединены общим сюжетом. Параллельно идущие фильмы показывают разную историю, собранную из одних и тех же смысловых элементов, при этом проникают друг в друга и графически, и сюжетно. Графика и скульптура выводят на передний план, овеществляют несущие конструкции повествования, создавая материальный каркас для нематериального цифрового формата.

НАТАЛЬЯ ТИХОНОВА

«Иногда ведет себя так странно" — это мультимедийная инсталляция, представленная с 1-го по 14-оe ноября в галерее FFTN.

Пространство галереи было дополнено cтихами, серией видео-скетчей и звуков, а также деревянной перегородкой с прорезями и зеркалами. Пол был заполнен водой и накрыт мостками, которые вместе с видео формирировали строгий маршрут выставки.

Рефреном медиа-спектакля стал эксперимент учителя музыки, где с помощью фразы "Sometimes behave so strangely" профессор показывает ученикам звуковую "Иллюзию масштаба" Дианы Дойтч - эффект, при котором мозг начинает воспринимать повторяющуюся фразу как песню, выстраивая фантомную мелодию и воспроизводя новые смыслы.

Пойманные в технике "found footage" и застывшие в "boomerang" звуки, образы и действия перекликаясь, интерферируя и отражаясь, также получают новые коннотации и контексты в маршруте инсталляции. Зритель с помощью пауз, повторений и отражений обнаруживает себя помещенным в игру с нарастающей атмосферой саспенса - ловушку, воспроизводящую движение и остановку одновременно.

"В этой петле я нахожу себя последние то ли пару секунд, то ли тридцать лет. В попытке сохранить равновесие на волне потока образов и информации, и раскручивая текучее пребывание в этом метастабильном невротическом состоянии, я обращаюсь к теории медиа. То, что как кажется давит и вызывает чувство опасности, пугающее другое или враждебное, в соответствии с законом классической драмы (и психоанализа), оказывается собственным отражением."

Это медиа-спектакль о неврозах и навязчивых состояних, бесконечно воспроизводящихся в повседневной действительности – пространстве выставки, города, интернета, собственного тела.

ВИКТОР АЛИМПИЕВ

OVCHARENKO представила персональную выставку Виктора Алимпиева:

ЗЛАЯ ЗЕМЛЯ глава I

В первой части экспозиции, расположенной в пространстве галереи OVCHARENKO видеоработа ЗЛАЯ ЗЕМЛЯ, созданная в 2018 году. Предваряющий работу перфоманс ЗЛАЯ ЗЕМЛЯ был подготовлен совместно с Ириной Шульженко и показан в Новом пространстве Театра Наций. В проекте приняли участие одна из ведущих актрис «Гоголь-центра» Светлана Мамрешева и руководитель вокального ансамбля Электротеатра Арина Зверева, а также две перкуссионистки Рената Саитова и Ульяна Щербакова.

ЗЛАЯ ЗЕМЛЯ — образ, вдохновлённый тревогой: современным состоянием мира, отдающимся в наших сердцах тревожным чувством потери этой самой современности. Это земля, вздыбившаяся под ногами, вынуждающая нас танцевать совсем не весёлый танец и это — танец потери координации. Отчаянный жест спасения — в ритме барабанной дроби, антирезонансом противостоящей оглушающему и навязанному ритму тревоги».
Укрытием для взволнованного на удивление становится сама нагнетающая, предгрозовая атмосфера работы, ее готовый вот-вот взорваться воздух. Это парадоксальная эмоция покоя в самой гуще сражения, которую описывает Эрнст Юнгер: «Удивление может достигать такой степени, что способно оттенить страх: в таких случаях как бы поднимается тонкая вуаль, почти всегда скрывающая от нас мир. Поэтому говорят, что в эпицентре циклона царит штиль». «Это хрупкий, стеклянный покой, но мы - все еще здесь, Моя Барабанщица — наша».

ЗЛАЯ ЗЕМЛЯ глава II
Во второй части экспозиции, расположенной во Vladey Space, была представлена серия картин, написанных в течение последних трех лет. Фигуративность в живописи Алимпиева носит характер иконографии: каждый из сюжетов - лицо, обращенное к другому лицу будто к солнцу; лицо со стянутой в точку улыбкой; лицо, придерживаемое риторическим жестом руки, произносящее слово «поцелуй», - становится началом для новой серии и многократно повторяется.

Виктор Алимпиев
Ирина Шульженко

КУРАТОР: ДМИТРИЙ ПИЛИКИН

МУЗЕЙ БОРЩЕВИКА — место коммуникации, беседка для отдыха, навигационный маяк, образовательно-информационный центр. Башня была возведена на берегу Охты участниками проекта «Waterfront / Водная линия». Внешний вид музея представляет собой башню с кислотно-желтого цвета борщевиком. Внешние стены музея декорированы яркими пятнами, намекающими на ядовитые свойства борщевика.

Башня состоит из двух уровней. На верхней обзорной площадке мы разместили ряд информационных табличек с рисунками, посвященными свойствам растения, а также мифологии, скрытой в его названии:

• По одной из версий мифа, Геракл умер от яда борщевика.

• В русском языке 16 века борщевик назывался «борщ». Зелень растения использовалась для приготовления одноименного блюда.

• Наибольшую опасность для человека представляет сок борщевика, который вызывает сильные ожоги на коже под воздействием солнечных лучей.

• Несмотря на ядовитость, борщевик является мощным поглотителем углекислого и угарного газа и производителем кислорода.

На нижнем уровне расположился музей Борщевика. В нем размещены артефакты, описания и информационные таблицы. Большинство предметов музея было найдено прямо на месте. Также мы поместили в экспозицию «Список известных борщевиков»:

1. Иоанн Атанасиус Борш де Вик — монах ордена иезуитов, сжигавший еретиков на кострах Инквизиции;

2. Барон Николя Борж э Вик — коварный деспот средневековой Франции, унесший множество жизней невинных женщин и детей;

3. Петро Борщ — анархист и главарь банды «зеленых» в годы Гражданской войны;

4. Иван Иванович Борщевик — партизан, активный участник сопротивления;

5. Ахмат БРЩ — лидер чеченских боевиков;

6. Рональд Буш Трамп младший — президент США, член тайной масонский ложи «борщевиков»;

7. Борщ 'о' Вик — ирландский эколог, специалист по природным ядам, пропагандист раздельного сбора мусора.

Участники команды «Охта»:
Анастасия Абрамова, Екатерина Грехнева, Константин Есин, Анастасия Колесник, Мария Лазарева, Анна Мартыненко, Евгений Танаисов, Мария Шатунова.

При участии «Друзей Карповки», архитектурного бюро «Созоныч» и Михаила Урядова.

Арт-объект реализован в рамках международного проекта «Waterfront / Водная линия», организованного Институтом исследования стрит-арта и Датским Институтом культуры при поддержке Совета Министров Северных стран.

НОВЫЕ ГОРОДСКИЕ ХУДОЖНИКИ — кураторский проект, который вовлекает художников с особым социальным опытом в современное искусство.

В задачи проекта входит поиск ярких художников-самоучек, их поддержка, развитие, содействие реализации их таланта и прочих возможностей, репрезентация их творчества. Специально для этого кураторы проекта создали арт-резиденцию в самом центре Петербурга. Резидентами студии стали молодые художники от 20 до 40 лет, проживающие изолированно от мира в нескольких городских интернатах. Творческие практики резидентов студии проходят в диалоге и тесном контакте с известными петербургскими художниками.

Проект начал поиски самобытных художников в 2018 году. За год в арт-резиденции побывали 40 неординарных авторов с опытом социальной изоляции. Они получили безграничный доступ к художественным материалам и были вовлечены в культурную жизнь города. В мае 2019 года состоялась первая масштабная выставка Новых городских художников «Оргалиты» на площадке ЦСИ им. Сергея Курёхина. Экспозиция из 200 работ представила более 20 авторов, чье творчество ранее никогда не было показано публике. Работы нескольких авторов вошли в частные коллекции и в собрание музея при ЦСИ им. Сергея Курёхина.

Несколько художников были приглашены к участию в создании сезонной экспозиции Музея стрит-арта «Хоть стой, хоть падай» (куратор Максим Има, май 2019) наряду с известными художниками Петербурга. Одна из художниц (Марина Монка) оформила обложку московского журнала Seasons (осень 2019). Художница Zoika получила предложение персональной выставки от известной галереи современного искусства (NAMEGALLERY). Выставка открылась в январе 2020.

Выставка «Оргалиты» выявила 9 мощных художников, в чье развитие стали вкладываться частные лица, меценаты, коллекционеры и галеристы. Итогом плотной работы в студии после выставки девяти самобытных художников под патронажем Стаса Багса стала масштабная выставка Новых городских художников в Москве, которая открылась на площадке РОСИЗО в начале 2020 года. К поддержке проекта присоединились московские институции: Фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина, объединение уличной культуры «Артмоссфера» и др.

КАТЕРИНА ВЕРБА

«ПАРАЛЛЕЛЬНЫЙ РЕЙС» — самоорганизованная выставка современного искусства в троллейбусах. Новороссийск — город, где нет никаких институций современного искусства, поэтому своего рода «захват искусством» четырех троллейбусов, которые в течение месяца курсировали с выставкой по обычным маршрутам, стал масштабной акцией по знакомству его жителей с совриском.

Более двадцати художников взаимодействовали с предложенным социальным пространством и создавали работы специально для этого проекта. В их число вошли не только профессионалы из других городов, такие как группировка «ЗИП», Пасмур Рачуйко, Эльдар Ганеев, Лена Колесникова, Юлия Шафоростова, но и местные авторы, которые только пробуют свои силы в современных практиках. Подготовка к выставке, а также открытие с лекциями и перформансами, превратившееся в праздник для всего города, стали коллективными действиями, важными для развития художественного сообщества и формирования локальной среды.

Отправной точкой стал утопический транспортный проект начала прошлого века, который мог бы стать первой троллейбусной линией в России — по тогдашней задумке молодого инженера Шуберского троллейбус «Новороссийск-Сухуми» должен был путешествовать из Новороссийска вдоль всего побережья, связывая несколько курортных городов. Поэтому один из троллейбусов выставки представлял собой вымышленное пространство рейса, который якобы все-таки существует и колесит по несбыточному маршруту. А сам троллейбус представлялся транспортом будущего, созданным в прошлом. В каждом из них был вывешен манифест, заявляющий намерение художников поддержать электрический вид транспорта как наиболее экологически чистый и доступный для широкой аудитории, поскольку состояние муниципальной троллейбусной компании в тот момент находилось в упадочном состоянии. Входным билетом на выставку служил талон на поездку в троллейбусе или проездной билет.

Проект в общественном транспорте можно также толковать как жест инициации и критики ситуации, сложившейся в городе, где, ввиду отсутствия выставочных пространств и образовательных площадок в сфере искусства, приходится самораганизованно искать альтернативы.

КРАСИЛ МАКАР

С 2017 года в Екатеринбурге и других городах России стали появляться уличные росписи художника Красил Макар, демонстрирующего в своих работах оригинальную и свободную интерпретацию техники урало-сибирской домовой росписи XVIII–XIX вв. В живописи Красил Макар использует эффектный прием «разбела» — одно из узнаваемых и ярких выразительных средств народной традиции. Многочисленные визуальные цитаты отдельных элементов и приемов определяют непосредственную связь произведений современного художника с образцами работ крестьянских красильщиков. Красил Макар использует импровизационные возможности самой живописной техники и раскладывает геометрию традиционной компоновки на универсальные модули. За счет этого его композиции пространственно динамичны, подобно абстрактным полотнам авангардистов.

Качественно новым для художника стал опыт работы в творческой резиденции в Тобольске в 2019 году. В результате подробного знакомства с местной историей и современным региональным контекстом родился public-art проект, выходящий за рамки традиционной живописной техники. Знакомые и привычные элементы махового письма здесь наделены реальным физическим объемом, отрываются от плоскости (будь то стена или предмет), превращаясь в трехмерные надувные скульптуры. Роспись выходит в предметный мир, ее формы перерождаются на новом уровне в атмосфере и контексте современного города, по улицам которого они свободно и причудливо перемещаются.

Венчает эту работу с пространством и движением большой интерактивный объект (девятиметровый батут). Как из абстрактных первоэлементов «ягодок», «приписок», «огурцов» компонуется изображение в домовой росписи, так из отдельных «воздушных» фрагментов собирается целое — батут. Зритель получает возможность физически оказаться внутри росписи и почувствовать волнительную легкость полета.

Ирина Кудрявцева

АЛЕКСЕЙ ЛУЧКО (LUKA)

Стайки — самостройные городские сараи, архитектурный «специалитет» второй половины ХХ века Южного Урала. В стайках держали скотину, кур, хранили хозяйственный инструмент. Сегодня они постепенно исчезают: пустуют, разрушаются, их сносят, освобождая площади под новые объекты.

У художника Алексея Лучко появилась идея сохранить это явление в качестве объекта социокультурного наследия. Художник признается, что встреча с местной архитектурной и специфической культурной материей данного региона послужила вдохновением для работы. Концептуально автор изменил существующие формы стаек и преобразовал старое городское наследие в арт-объект, неминуемо связывающий историю с нынешней жизнью города.

«Стайка 2607» — это объемная конструкция, особенностью которой стало использование «деталей» разрушенных стаек и современных материалов — соединение компонентов старых городских сооружений и нового времени. Основными элементами конструкции выступают найденные деревянные панели, окна, двери. В своей работе автор также использовал профнастил, фанеру и другие простые и доступные сегодня стройматериалы. Таким образом, «Стайка 2607» содержит в себе «находки», которые отсылают к истории города, и чистые геометрические, глянцевые формы, которые используются в настоящее время.

«Стайка 2607» расположилась на небольшом холме, рядом с еще существующими стайками, напоминая о старых постройках и призывая обратить внимание на историю их возникновения. Благодаря заданной дислокации скульптурная композиция доминирует над остальным окружением. Выбранная локация позволяет рассматривать предмет искусства в контексте времени, напоминая о его необратимой силе, а также указывая на различие между утилитарными объектами и искусством.

МАРИЯ ТУРКИНА, АЛЕКСАНДРА КОКАЧЕВА, МАРИЯ КОРОЛЕВА, АННА МАРТЫНЕНКО, ЕГОР ЩАБЛЫКИН, АЛИСА ГОРЕЛОВА

С 6 по 8 сентярбря 2019 года в городе Тюмень на прилежащей к озеру Алебашево территории был реализован проект «Город птиц». До начала проекта группа авторов провела исследование территории, подняла исторические материалы и изучила территорию озера. Таким образом проект представлял собой культурную интеграцию в определенном пространстве

Художественная команда проекта: Александра Кокачева, Анна Мартыненко, Мария Королева, Егор Щаблыкин, Алиса Горелова.

В результате исследования было выяснено, что в Тюменской области очень распространены соловьи, а место прилегающее к озеру считается орнитологами самым «соловьиным». Так образ птицы стал ключевой темой проекта.

Анна Мартыненко создала серию объектов «Топофон», а именно 3 деревянных объекта, установленных в ключевых местах озера: с помощью устройста зритель мог услышать пение птиц, плеск воды и звкук автомагистрали, проходящей рядом. Художница давала негласный выбор наиболее приятного слуху зрителя звука, акцентируя внимание на уникальной природной составляющей места.

Также Анна разработала объект «Слово», в создании которого участвовали все авторы проекта. В процессе изучения территории был найден материал о вербальном обозначении криков местных птиц в брачный период – именно эти короткие буквенные обозначения художница с помощью трафарета нанесла на опору ЛЭП, перекрыв человеческий «след» в виде нецензурных надписей по бетону.

Александра Кокачева, изчучив дизайн код города, создала объект «Карта» - полноценный указатель со списком правил поведения птиц на воде. Ироничные короткие высказывания дают возможность зрителю представить себя в «пернатом» образе и оценить риск нахождения в соседстве с человеком.

Мария Королева и Егор Щаблыкин создали «Платок» - 3-х метровый отрез ткани, которым при открытии проекта художники «накрыли», «укутали» озеро. Орнамент платка полностью повторяет национальные мотивы свадебных подарков, где платок служик символом перехода женщины в иное состояние, статус. В случае с озером Алебашево авторы транслируют идею скорого превращения территории в нечто новое, а так же его уязвимость в процессе с точки зрения экологического баланса.

Алиса Горелова буквально сплела из металлической проволоки выдержки из сборника статей орнитологов о птицах Тюменского края, разместив объект между опорами линии электропередач. «Нить» очень тонкое напоминание о хрупком балансе между техногенностью и природой.

Участники кружка: Дмитрий Безуглов, Дмитрий Бондарев, Алексей Бочаров, Даша Веселкина, Наташа Винокурова, Елена Голуб, Стася Дементьева, Евгений Кутергин, Анна Литовских, Аня Марченкова, Настя Мейстер, Инга Мирошникова, Анжела Силева, Надя Стрига, Аня Устякина, Полина Храмцова, Аня Черепанова.

В октябре 2018 года в Екатеринбурге мы объединились на почве общего желания писать и говорить об искусстве. За несколько встреч собрался постоянный состав участников и появилось название: «кружок арт-критики».

История современного искусства на Урале длинна, но здесь о нем пишут мало. Своей основной задачей участники кружка видели создание дискурсивного поля, стимулирующего плодотворное обсуждение; вскоре акцент окончательно сместился на расширение форм совместности. Сегодня участники кружка стремятся вовлекать всех желающих в свою деятельность, будь то ридинги, онлайн-игры, встречи и ситуации.

Промежуточным результатом непубличных практик коллективного письма и совместной работы стал выпускаемый кружком зин. Ирония и взаимная забота стали причиной отрицательной нумерации. Начать с «минус третьего» — поставить ловушку перфекционизму и синдрому самозванца, чтобы работать в свободном режиме и осуществлять коллективный побег от больших ожиданий.

Название «кружок арт-критики» может сбить с толку: часто наша деятельность слабо связана с производством текста. Мы считаем, что современные художественные практики требуют выработки новой оптики, и, соответственно, расширения понимания критического письма. Среди интересующих нас тем —условия труда, рынок, проблемы коммуникации и коллективность. Кружок для нас — постоянно меняющееся сообщество, построенное на совместной работе, горизонтальных связях и трепетной заботе друг о друге.

СОЦИАЛЬНО ВОВЛЕЧЕННОЕ ИСКУССТВО В СТРАНАХ
СЕТИ АРТ ПРОСПЕКТ

Репортажи из Азербайджана, Армении, Беларуси, Грузии, Казахстана, Кыргызстана, Молдовы, Таджикистана, Узбекистана и Украины.

Предисловие Сюзан Кац, вводный текст Виктора Мизиано

Авторы: Сабина Аббасова (Азербайджан), Ваграм Агасян, (Армения), Ирина Бхарат, (Узбекистан), Ольга Веселова (Казахстан), Мария Вильковиская и Руфия Дженрбекова (Казахстан), Гульнара Касмалиева и Муратбек Джумалиев (Кыргызстан), Юлия Костерева (Украина), Виктор Мизиано (Россия/Италия), Евгения Олейник (Украина), Лали Пертенава (Грузия), Анна Погребная и Илона Демченко (Украина), Владимир Ус (Молдова), Ева Хачатрян (Армения), Джамшед Холиков (Таджикистан), Анна Чистосердова (Беларусь), Дата Чиголашвили и Мариам Шергелашвили (Грузия).

CEC ArtsLink приглашает читателей к диалогу: делитесь своими впечатлениями, опытом, задавайте вопросы!

«Ангажированное искусство в странах бывшего СССР — это чудо или недоразумение. Ведь для того, чтобы его здесь не было, слишком много причин!». Виктор Мизиано

Почвой для появления этой публикации стало стремление CEC ArtsLink поддерживать международную мобильность в области культуры и новые модели творческого осмысления социально-политических проблем, трансформации городской среды и вовлечения местных сообществ. Цель публикации -– расширить связи международного художественного сообщества со странами постсоветского пространства и подчеркнуть важность транснациональных культурных обменов. Публикация –- это также попытка восполнить недостаток информации о региональных инициативах в сфере творческой социальной деятельности с помощью эссе и интервью с художниками, мыслителями и практиками из одиннадцати стран.

4-я книга серии «ГАРАЖ.txt» посвящена нижегородскому уличному искусству — уникальному явлению художественной жизни России.

Эта книга — о Нижнем Новгороде, одном из крупнейших российских городов, в котором причудливо сплелись амбиции мегаполиса и тихая поволжская провинциальность. Именно город, сложность и необычность его устройства, витиеватая структура и разнообразие культурных наслоений стали неотъемлемой частью того, что авторы книги называют нижегородским уличным искусством. В книге нижегородское уличное искусство определяется как художественное направление, сформировавшееся в 2010-е годы и объединившее локальных художников — Андрея Дружаева, Федора Махлаюка, Антона Морокова, Андрея Оленева, Артема Филатова, Якова Хорева, Владимира Чернышева и команду «ТОЙ». Издание включает в себя множество фотографий, документирующих проекты художников.

РЕДКОЛЛЕГИЯ ПОД РУКОВОДСТВОМ ТВОРЧЕСКОГО ОБЪЕДИНЕНИЯ АРТМОССФЕРА

«Энциклопедия российского уличного искусства» — издание, впервые объединившее биографические статьи о российских уличных художниках, авторскую хронологию уличного искусства и глоссарий основных терминов, относящихся к граффити и стрит-арту. Это первое издание о российском уличном искусстве в русскоязычном поле, выпущенное в энциклопедическом формате. Объем книги, иллюстрированной фотографиями, документирующими развитие уличного искусства в России в течении последних 3-х десятилетий — 316 страниц в полноцвете.

Над энциклопедией работала редколлегия под руководством Творческого объединения АРТМОССФЕРА и продюсеры издания — проектная группа «8 линий». Книга выпущена при поддержке благотворительного фонда «ОМК-Участие», организатора ежегодного фестиваля городской культуры «Арт-Овраг» в Выксе.

Работа над книгой велась в течение двух лет. Основной раздел энциклопедии содержит биографические статьи о 187 российских художниках и командах, работающих в поле уличного искусства или начинавших свой путь с граффити. Сбор информации о художниках производился посредством анкетирования и интервьюирования, а также изучения открытых источников, после чего тексты приводились к формату энциклопедической статьи.

Над текстами основного раздела работала группа авторов: Марта Пакните, Игорь Поносов, Никита Величко, Павло Митенко, Даша Борисенко-Орловски, Наиля Гольман, Дмитрий Аске, Антон Польский (Make). Редакторы раздела биографических справок — Марта Пакните, Игорь Поносов. Руководители редколлегии — со-основательницы объединения АРТМОССФЕРА и одноимённой Биеннале уличного искусства Сабина Чагина и Юлия Василенко.

Авторский взгляд на хронологию российского уличного искусства представил художник и исследователь Дмитрий Аске, объединивший в соответствующем разделе книги ключевые события, повлиявшие на формирование российской сцены уличного искусства, законы ее функционирования, характерные черты и специфическую изобразительность.

В качестве составителя глоссария ключевых терминов, относящихся к граффити и стрит-арту, выступил Институт исследования стрит-арта — его куратор Альбина Мотор и научный сотрудник Мария Удовиченко, при участии Дмитрия Аске. Раздел дает ключ к пониманию текстов книги, также он интересен тем, что демонстрирует как заимствования из английского языка, относящиеся к граффити-терминам, стали видоизменяться в русскоязычном употреблении.

РЕЖИССЕР: ШТЕФАН КЭГИ
ПРОДЮСЕР: ФЁДОР ЕЛЮТИН

«ЗЛОВЕЩАЯ ДОЛИНА» — совместный проект импресарио Фёдора Елютина и немецкого режиссера Штефана Кэги (Rimini Protokoll), исследующих нравственные границы взаимодействия человека и искусственного интеллекта в новую технологичную эру. «Зловещая долина» — документальный моноспектакль в исполнении антропоморфного робота. Главной идеей спектакля стало создание человекоподобного робота, который не просто выполняет механические команды человека, но и заменяет личное присутствие актёра на сцене, демонстрирует подобие эмоций, а главное — заставляет зрителя испытывать к нему эмпатию.

Робот побуждает зрителя почувствовать и преодолеть эффект «зловещей долины» — последнего препятствия на пути полноценного взаимодействие человека и робота. Феномен был впервые обнаружен японским ученым-робототехником Масахиро Мори: он заметил, что люди испытывают тревогу, недоверие и даже страх перед машиной, обладающей человекоподобной внешностью. Документальный театр исследует проблему, над решением которой бьются ведущие производители промышленных и бытовых роботов в мире. И именно на территории театра преодоление эффекта «зловещей долины» наконец становится возможным.

Мы привыкли видеть роботов заключёнными в металлическую оболочку. Они выполняют механические действия и следуют командам человека. А что, если человек, сидящий перед вами, и есть робот? Какие чувства вы испытаете? Симпатию? Недоверие? Страх?

Здесь андроид заменяет героя на сцене, а его создатель пытается выяснить, что чувствует оригинал, когда копия берет инициативу в свои руки.

«Зловещая долина» — спектакль, в котором робот, имитируя поведение человека, меняет оптику привычного нам восприятия мира и самих себя.

В копродукции: Berliner Festspiele - Immersion, donaufestival (Krems), Feodor Elutine (Moscow), FOG Triennale Milano Performing Arts (Milano), Temporada Alta - Festival de Tador de Catalunya (Girona), SPRING Utrecht.

КАПИТОЛИНА ЦВЕТКОВА-ПЛОТНИКОВА,
АРНО ГРАНДЖАН, ГАБРИЭЛЬ ЖАНЖАН, ЖАН-ДАВИД МЕРИ

Plant opera — это междисциплинарный научно-художественный проект, который верит в трансфлоризм (аналогия трансгуманизма). Мы даем растениям возможность «выразить себя». Для этого мы разработали систему датчиков, позволяющую переводить процессы растений в реальном времени в звуки, тексты, графизм и видео.

Plant opera существует в двух формах — опера растений (исполняемая только растениями, их временные категории растянуты и с человеческой точки зрения это скорее инсталляция), и о. растениях (исполняется растениями и людьми). В о. растениях исполнители-люди ведут хрупкий диалог с исполнителями-растениями и устанавливают, и теряют контакт через различные языки (от различных вербальных до языков тела).

Оперный жанр — это особый вид междисциплинарной формы искусства, которая существует в четырехмерном пространстве и охватывает все аспекты человеческой деятельности. Это квинтэссенция тотальной человеческой формы искусства, и апофеоз искусственности, который идет вразрез с законами природы.

Как и в жизни, оперная структура и драматургия строится на пунктуации времени вокруг двух основных тем — любви и смерти. Но природа учит нас другому взгляду на наши базовые определения. У нее совершенно другое ощущение времени: одно слово может длиться день, одно дыхание — до новой луны. Смерти нет, это всего лишь трансформация, щедрость, воскресение через разложение, а любовь бесконечна.

Проект затрагивает вопросы сознания растений, биоэтики и биоцентризма, поднимая проблематику амбивалентности трудностей перевода и субъективности интерпретации.

VA LAB

Художники: Владлена Громова, Артем Парамонов

Программист: Алексей Крутиков

Инженер: Борис Базулев

3D печать: Тимофей Рыбка

Генетик: Александр Журавлев, старший научный сотрудник лаборатории нейрогенетики Института физиологии им. И.П. Павлова, РАН

Ощущает ли человек родство с другими видами? Какое место человек занимает в процедурах эволюции? Как развитие технологий влияет на межвидовые отношения?

«Ткань жизни» — это художественно-научное исследование эволюционных и межвидовых связей, которые визуализируются и материализуются в реальном времени автоматизированной вязальной машиной. Камера захватывает лицо зрителя, программа обрабатывает изображение, осуществляя морфинг между фотографией зрителя и фотографией дрозофилы, и превращает получившееся изображение в узор для вязания. Основой для алгоритма морфинга служит точечная матрица, построенная на результатах анализа и проверки совпадений между генами плодовой мушки Drosophila melanogaster и человека методами биоинформатики (Homology Segment Analysis, BLAST). Исследование гомологий позволило выявить общие фрагменты ДНК, т.е. вычислить специфичные последовательности из 16 нуклеотидов, которые можно рассматривать как «атом эволюции» на примере сравнения двух видов, разошедшихся около 500 миллионов лет назад. Материализуя связи между видами, подключая родственные на уровне кода процессы и технологии (вязание, точечные матрицы, электронные устройства, программирование), мы пытаемся обратить страх межвидовой трансформации в «теплый» дизайн повседневных вещей, встроенный в игру с традицией и культурой. Однако процессы вязания и создания узора больше не нуждаются в руках человека, они делегируются машинам, алгоритмам и нейросетям, у которых остается возможность совершить ошибку.

КУРАТОРЫ ВЫСТАВКИ:
ЛИЛИЯ ВОРОНКОВА, ЛЕРА ЛЕРНЕР, ТАТЬЯНА ШИШОВА

Участники: Ольга Беличенко, Елена Богданова, Ольга Бредникова, Эльвира Гизатуллина, Ольга Громашева, Вирпи Кайсто, Екатерина Мельникова, Елена Никифорова, Любовь Чернышева, Ирина Широбокова

Дизайн: группа Север-7: Петр Дьяков, Вадим Михайлов, Александр Цикаришвили, Лиза Цикаришвили, Татьяна Черномордова, Нестор Энгельке, Виктор Юльев

Исследовательская часть проекта 2017-2019, Россия, Финляндия;
Образовательная часть проекта сентябрь-май 2019, Санкт-Петербург;
Выставка 19 апреля — 14 мая 2019, Kunsthalle nummer sieben, Санкт-Петербург.

Международный арт-сайнс проект, в котором социологи, антропологи, социальные географы выступают медиаторами своих исследований для публики, проявляя себя как художники. Ученые одновременно становятся субъектами производства знания и его трансляторами через неочевидные для научного мира формы: графика, объекты, фотографии, видео, инсталляции, звуковые инсталляции, перформансы.

Елена Богданова проблематизирует отношение к фигуре власти в многоквартирном доме. Вирпи Кайсто предлагает посетителям способ деконструкции стереотипов по отношению к соседям за границей. Ольга Громашева вызывает нас на караоке-поединок возможности попадания в унисон с соседом. Любовь Чернышева материализует границу между общим и индивидуальным интересом. Ирина Широбокова вытанцовывает вывихи хореографии домашнего труда. Эльвира Гизатуллина экстраполирует агрессию онлайн в доверие оффлайн. Ольга Бредникова помещает нас в камеру пыток воображаемого представления о соседе. Елена Никифорова вопрошает феномен эмоциональности места. Екатерина Мельникова обнаруживает формирование комплекса вины в мифологии переселенцев. Ольга Беличенко различает парадную память места принадлежащего и акупунктурную память места отчужденного.

Художественные работы опираются на результаты российско-финского научного проекта «Слоеный пирог соседства» и затрагивают разные направления исследования: «Соседство на приграничных территориях», «Соседство сквозь время», «Соседство в мегаполисе», «Цифровое соседство» и «Соседство в коммунах».

Идеи 11 проектов для выставки появились в ходе индивидуальной работы исследователей с художником и куратором Лерой Лернер. В дальнейшем произведения создавались усилиями самих ученых в тесном сотрудничестве с художниками группы Север-7 и Лерой Лернер.

::VTOL:: (ДМИТРИЙ МОРОЗОВ)

ОСНОВНОЙ ЭЛЕМЕНТ РАБОТЫ — система из трех роботизированных механизмов, взаимодействующих c небольшими железными метеоритами (осколками и индивидуальными образцами). Суть взаимодействия заключается в следующем: в начале цикла автоматический манипулятор с небольшим пассивным магнитом, к которому примагничены метеориты, задвигается в мощное переменное электромагнитное поле, создаваемое индукционной катушкой. Благодаря этому метеориты в течение короткого времени (не более одной минуты) разогреваются до красного каления, достигая примерной температуры падающего метеорита, вошедшего в верхние слои атмосферы. Достигнув температуры приблизительно 750 градусов Цельсия, метеориты теряют магнитные свойства и отцепляются от манипулятора, падая в специальную емкость. В емкости, в которую упал раскаленный метеорит, находится инфракрасная камера, превращающая в картинку тепловое излучение метеоритов. Камеры подключены к небольшому компьютеру, анализирующему температуру постепенно остывающего метеоритов. Данные о температуре привязаны к высоте тона простого синусоидального генератора, из чего следует, что остывание метеоритов приводит к постепенному и плавному снижению высоты звучания генератора. Достигнув температуры окружающей среды, метеориты опять подцепляются магнитным манипулятором (магнитные свойства к метеориту возвращаются после остывания), и вновь поднимаются в нагревающую катушку, перезапуская цикл.

По сути, инсталляция представляет собой циклическую систему, моделирующую момент «прибытия» метеоритов на землю — практически неуловимую и редчайшую ситуацию. Главным импульсом и вдохновением, побудившим меня на создание этой работы, стало попадание в мою геологическую коллекцию нескольких индивидуальных фрагментов Сихотэ-Алинского метеорита, упавшего на Дальнем Востоке в 1947 г.